Цитата сообщения Майя_Пешкова
Прочитать целикомВ свой цитатник или сообщество!
,классицизм,ампир
Стиль — это не только чутьё в подборе гардероба. Стиль отражает этапы развития истории в искусстве. Проще — это сумма изобразительных приёмов определённого времени и направления.
Стили сменяли друг друга — иногда благодаря сильным мира сего (Людовик XV, Наполеон Бонапарт, королева Виктория, Людвиг Баварский), а порой просто по причине спада интереса у публики. Стили, отдалённые от нас столетиями, принято считать «историческими» (готика, ренессанс, барокко, классицизм, романтизм). А отстоящие от нас лет на 70 и ближе, пожалуй, можно считать «актуальными» стилями (кубизм, примитивизм, стимпанк и тому подобное).
Описывая признаки стиля, используют следующие понятия: композиция, линия, цветовая гамма, материалы; в исторических стилях — орнамент и его элементы. Кстати про исторические стили: «иногда они возвращаются» в виде неостилей — порой с большим успехом (технологии ведь совершенствуются). Яркий пример – та же готика. Кстати, свои названия стили получали очень и очень «задним числом», зачастую в разных странах различные.
Например, на западе (в Англии и странах, бывших под влиянием Соединенного Королевства) принята такая классификация ювелирных стилей:
- Georgian (1714-1837) —«георгианский стиль» — эпоха правления королей Георга 1, 2, 3 и 4
- Victorian (1837-1901) — «викторианский стиль« — эпоха правления королевы Виктории (1837-1890) the Romantic Period (1837-1861) («романтический» период)
- the Grand Period (1861-1880) («гранд»)
- the Aesthetic Period (1880-1901) («эстетический»)
Итак, с надеждой оглядываясь на историческое кино («Елизавета: Золотой век», «Пираты карибского моря», «Гардемарины» и подобные), попробуем начать с основных исторических стилей — барокко, рококо, классицизм и ампир.
По западной классификации, все эти стили практически укладываются в господствующую в те времена Георгианскую эпоху.
Стиль барокко и его ювелирное наследие
Живописный и величественный стиль барокко (англ. Baroque) — «причудливый», «неправильный» в переводе с португальского — возник в 16 веке в Италии. «Кино-гиды» по стилю — «Фаринелли», «Девушка с жемчужной серёжкой». Визитная карточка этого стиля – забавные украшения с неправильной формы «барочной» морской жемчужиной.
Применительно к ювелирному искусству этой эпохи, принято выделять Раннее барокко (1600-1660), Позднее барокко (1660-1725), и Рококо (1725-1775). Мы в данной статье рассматриваем рококо как самостоятельный стиль.
Причины появления и корни этого стиля, пожалуй, следующие: папство решило ударить дубиной искусства (в монументальном и пышном барочном исполнении) по испанцам и французам, диктовавшим тогда условия политики итальянцам. Знать Италии компенсировала утрату власти демонстрацией трубящей роскоши (недопустимой в рамках предыдущего стиля — ренессанса). Барокко — это буйство оптимизма, подчинённое симметрии.
Чертам барокко присущи:
- ясная конструктивность (когда масса выпуклых мелких элементов компонуется в ясно читаемый симметричный силуэт)
- ритмичная композиция (соподчинение элементов друг другу и всему замыслу художника)
- чёткие выпуклые рельефы
- «плотный»растительный орнамент, яркость цвета
Украшения в стиле барокко
В ювелирных изделиях эпохи барокко самыми типичными были такие элементы как золото (реже – серебро), разноцветные эмали и яркие драгоценные камни или крупные жемчужины. Жемчужины были в моде морские, необычной, в том числе, вытянутой формы. Позднее за таким типом жемчуга закрепилось название «барочный жемчуг».
Представители знати носили длинные многорядные нити жемчуга, многодельные серьги «жирандоль» (англ. Girandole или Chandelier – (люстры) earrings) с тремя жемчужными подвесками.
Крупными, или же небольшими брошами украшали декольте корсажа, талию. Жемчуг и камни нашивали на платье вместе с лентами.
Ажурные броши-склаважи крепили к шейной ленте или на глубоком декольте Характерны были крупные броши-букеты или переплетенные ветви. Брошь-бант с подвеской назовут «брошь де Севинье»(портрет выше)
Одежду и обувь украшали драгоценные пряжки.
Украшали одежду и камеи
Мотивы римского барокко в коллекции высокого ювелирного искусства Bvlgari
Выход из карантина Bvlgari решили отметить как настоящие итальянцы — с праздничным размахом, переливами пестрых драгоценных камней и блеском благородных металлов. Мы представляем вам новую коллекцию высокого ювелирного искусства — Barocko, название которой говорит само за себя. Ювелирно-часовой Дом был основан в Риме еще в 1884-м, но даже спустя 130 лет креативные умы Bvlgari продолжают черпать вдохновение именно в культуре Вечного города. На этот раз перед нами интерпретация мотивов легендарного римского барокко — забудьте про минимализм!
Кольцо Cabochon Exuberance
© Antonio Barrella
Присмотритесь к каждому произведению ювелирного искусства в линейке — тут вам и напоминания о скульптурном фонтане Четырех рек Джованни Лоренцо Бернини, и вариации на тему мраморных барельефов базилики Святой Агнессы, спроектированной Франческо Борромини… Эти украшения, созданные под чутким руководством креативного директора Дома Лючии Сильвестри, могут заменить экскурсию по достопримечательностям барочного Рима. Вспомним школьный курс истории — основная задача барокко заключается в том, чтобы транслировать возвышенность и нарядную торжественность. Уже давно бесцветные бриллианты начали терять свою власть над ювелирным рынком, так что в коллекции Barocko с этим справляются привезенные со всех концов света редкие разноцветные драгоценные камни. На поиск некоторых из них у Лючии ушли годы!
Серьги Cabochon Exuberance
Колье Cabochon Exuberance
Одно из главных сокровищ коллекции — колье Cabochon Exuberance, вдохновленное комплексом Садов Фарнезе на холме Палатино. В обрамлении желтого золота и чистых бриллиантов соседствуют рядом массивные кабошоны из аквамаринов, рубеллитов и танзанитов. Ставку на каратность дизайнеры Bvlgari сделали при создании почти каждого украшения. Посмотрите на сотуар Lady Rubellite. Первым делом мы видим не нежное бриллиантовое паве и даже не культивированные жемчужины, а массивный 60-каратный грушевидный рубеллит.
Сотуар Lady Rubellite
Самое «десертное» украшение — ожерелье Lady Arabesque, в которое непременно влюбятся все поклонники архитектурных мотивов барокко. Завитки из розового золота дополнены каплевидными бриллиантами, розовыми и лиловыми шри-ланкийскими сапфирами, драгоценными турмалинами параиба и изумрудами. Цветовая палитра ожерелья — оттенки фиолетового, зеленого и золотого, так что его запросто можно спутать с карамельным лакомством, на создание которого, к слову, ушло более тысячи часов. Форма украшения — «нагрудник» — отсылает к историческим кодам Bvlgari.
Серьги Lady Arabesque
Еще один предмет из линейки Barocko, который достоин демонстрации в музее, — колье Rosso Caravaggio, над которым мастера Дома трудились больше 1500 часов. В нем чувствуются уже более традиционные настроения Bvlgari — эдакая «старая школа». Вместо буйства красок — сдержанность платины и чистое сияние бриллиантов. Колье украшено редчайшим рубином весом 10 карат огранки «кушон», который был найден в Мозамбике. Украшение хранит секрет, о котором знает только его владелица: оно оснащено особым механизмом, позволяющим получить два целых съемных ожерелья вместо одного массивного.
Кольцо Ruby Drapery
Стиль рококо – французская утонченность
На слух рококо (англ. Rococo) похоже на барокко, но на вид имеет внятные отличия. Родина рококо (или рокайля) — Франция начала 18 века (фильм «Прощай, моя королева»о Марии-Антуанетте(2012г) — киногид по этому стилю).
Корни этого стиля — чисто французские: тоска по интиму. В отличие от итальянцев, французы не нуждались в иллюзии могущества; рокайль (в переводе «раковина») — камерный стиль.
Сохранив живописность барокко, рокайль отошёл от цветовой яркости, масштабности, симметричности. Линии стали плавными
Украшения времен рококо
Черты рококо — асимметрия, плавность, пастельные тона, утончённость и камерность. По сравнению с ювелирным искусством времен барокко, в эпоху рококо украшения становятся более «фривольными» и воздушными. Создается ощущение, будто мотивы украшений просто не умещаются в заданную форму и стремятся оттуда вырваться.
Ювелиры переходят к «бриллиантовой» огранке алмазов (автором ее считают венецианца Винченцо Перуцци). Бриллиант первенствует. Теперь в моде оправлять его не в золото, а в серебро, пользуясь способом закрепки «паве» (pave) (когда изделие усыпано бриллиантами, точно бублик маком). В моду входят парюры (комплекты украшений, сходных по материалу, работе, рисунку). Популярны серьги «бриолез» (brioles) — с подвижно закрепленными длинными подвесками- «каплями» и «звёздами». Создают драгоценные «букеты», — XVIII столетие называют «веком цветка и алмаза».
Причёски дам весьма замысловаты. В моде подвижные ажурные шпильки -«цитернадель» (от нем. zittern — дрожать и nadel — булавка). Асимметричные эгреты (aigrettes) (головное украшение с пером, от латинского — Egretta, род белых цапель), изящные перья, а иногда и яркие бабочки. Появились «портбукеты» (ювелирные «вазы» для букетов из живых цветов). Не отставали и мужчины, украшая бриллиантами различные ордена, пряжки одежды и обуви, рукоятки шпаг, множество брелков.
Но витиеватый рокайль уже имел в себе зёрна грядущего классицизма. Например — медальоны с эмалевыми миниатюрами; круглые или овальные, сдержанного декора.
Эталоны женской красоты в истории: 18 век. Рококо
Здравствуйте, косметисточки!
Предлагаю продолжить погружение в атмосферу аристократической роскоши и познакомиться с европейской модой и представлениями о красоте 18 столетия.
В предыдущем посте в центре нашего внимания была Франция, так как именно она задавала модные тенденции Европы 17 века. В 18 столетии влияние французов на европейскую моду сохраняется. Закономерно, что именно там рождается новый художественный стиль — рококо, который начал складываться в период регентства Филиппа Орлеанского (1715-1723 гг.). Название «рококо» скорее всего происходит от французского слова rocaille, означающего «украшение в форме раковины», «декоративная раковина». Стиль рококо отличался изящной декоративностью, хрупкостью, утонченностью, чувственностью и некоторой манерностью. Это был последний период господства аристократической моды, который окончился с началом французской революции и падением абсолютизма. Франция продолжала занимать лидирующие позиции в торговле предметами роскоши: Лион был центром шелкоткачества и вышивки, а Париж — центром текстильной галантереи и аксессуаров. Регулярные модные сезоны задавали спрос на определенные цвета и рисунки, а жители провинций узнавали о последних веяниях из модных журналов. За свежими «трендами» не гнались только самые бедные слои населения. Моду в основном задавали экстравагантные любовницы короля, в частности образованная маркиза де Помпадур и ее не менее утонченная «коллега» мадам Дюбарри.
Особо красивым считался у женщин изящный силуэт, узкие плечи, очень тонкая талия, округлая линия бедер. Костюм и косметика стали практически не дифференцированы по возрасту: напудренные, накрашенные, в париках, — все выглядели одинаково моложаво. Более того, в рококо “смешиваются” оба пола, причем мужское платье тяготеет к женскому, в нем доминирует женственность, хрупкость, капризность: мужчина, перестав быть воином, становится кавалером. 18 век — это эпоха безудержного наслаждения жизнью, бесконечной погони за удовольствиями. Искусство клонившегося к упадку дворянского общества было утонченным, призывавшим к наслаждению, к чувственным радостям. Оно стало украшением праздной жизни беспечной и изнеженной знати.
Галантный век
О 18 столетии часто говорят как о «галантном веке». Культура в области отношений между полами отразилась в виде провозглашения женщины властительницей во всех областях, в виде ее безусловного культа. В своей известной книге «Женщина в XVIII в.» братья Гонкуры прекрасно охарактеризовали этот золотой век женщины: «В эпоху между 1700 и 1789 гг. женщина не только единственная в своем роде пружина, которая все приводит в движение. Она кажется силой высшего порядка, королевой в области мысли. Она — идея, поставленная на вершине общества, к которой обращены все взоры и устремлены все сердца. Она — идол, перед которым люди склоняют колена, икона, на которую молятся. На женщину обращены все иллюзии и молитвы, все мечты и экстазы религии. Женщина производит то, что обыкновенно производит религия: она заполняет умы и сердца»
.
Эти слова Гонкуров о Франции применимы ко всем европейским странам. Везде царила женщина, везде господствовали законы галантности. Различие здесь только в большей или меньшей утонченности форм. В других странах эти формы только грубее и неуклюжее, чем во Франции, как это всегда бывает с копиями. Сущность галантности заключается в том, что женщина в качестве орудия наслаждения, как живое воплощение чувственности взошла на престол. Ей поклоняются как олицетворенному сладострастию. Один из величайших мастеров по части галантности, граф Тилли, говорит в своих мемуарах: «
Во Франции необходимо пустить в ход немало прилежания, ловкости, внешней искренности, игры и искусства, чтобы победить женщину, которую стоит победить. Приходится соблюдать формальности, из которых каждая одинаково важна и одинаково обязательна. Зато почти всегда есть возможность насладиться победой, если только нападающий не болван, а женщина, подвергшаяся нападению, не олицетворение добродетели
».
Если дама колеблется, то только потому, что хочет увеличить удовольствие мужчины, добивающегося ее благосклонности. Мужчина устраняет с пути женщины каждое препятствие. Каждое ее желание становится для него приказанием, малейший ее каприз — законом. Женщине предоставлено первое место, ей уступают дорогу, дабы ей было удобно идти. Каждый считает для себя честью отказаться от собственных прав и выгод в пользу ее. Только что описанное поведение мужчины должно, однако, иметь эротическую нотку, которая и отличает галантный век от всех других эпох. По существу, галантность, рыцарское отношение более сильного к более слабому не ново в отношениях полов. В эпоху галантности это рыцарское отношение, однако, доведено до смешного, и притом исключительно в направлении эротическом. Мужчина относится к женщине по-рыцарски не только как к существу более слабому, а как к драгоценному орудию желаннейшего наслаждения, в ней воплощенного.
Все это неизбежно приводит к изменению моральных воззрений. «Мораль внесла в любовь все зло», — говорил Ретиф де ла Бретонн. И поэтому моралью пренебрегали, в то время как порок получает теперь общественную санкцию (не официальную, конечно ). Таковы в общих чертах законы абсолютистской культуры и их специфическое отражение в отношениях между мужчиной и женщиной. Здесь необходимо подчеркнуть один парадокс: век господства женщины никогда не бывает веком истинного возвышения женщины. В эпоху абсолютизма мужчина и женщина стояли рядом не как равноправные личности. Век, видевший в неверности женщины желаннейшую пикантность, способную только повысить половое наслаждение, предоставлял в то же время мужчине право подвергать жену на основании одного только подозрения в измене строжайшему наказанию — пожизненному заключению в монастыре.
Одежда и украшения
Эпоха рококо — это время непревзойденного стиля и изысканного силуэта элегантных платьев. В начале 18 века женская одежда отошла от церемониальности, официальности и чопорности позднего барокко. Женщина в костюме эпохи рококо напоминала изящную фарфоровую статуэтку. Силуэт костюма ярких и светлых тонов был очень женственным и подчеркивал нежность хрупких плеч, тонкую талию и округлость бедер. Тяжелое платье сменяет легкий и мягкий костюм. И хотя его выразительные средства ещё типично барочные, в его декоративной отделке уже угадываются тенденции новой эпохи.
В творениях этого периода очень сильно влияние искусства Дальнего Востока, делфтского фаянса, оригинальной китайской мебели. И шелковые ткани отражают все эти влияния. Они безмерно дорогие, так как сырье для них привозилось из дальних стран, а также потому, что эти ткани были пронизаны золотыми и серебряными нитями, неподдельными, а из драгоценных металлов. Только избранные могли позволить себе такую роскошь. Расходы на дамское платье исчислялись в основном ценой материалов, а они менялись чаще, чем фасоны платья. В основном именно материалы диктовали перемены в одежде. Эпоха рококо стала временем моды на шелковую набивную ткань и на расшитый шелк и ситец. В отличие от французских узоров, английские ткани и набивные материалы украшали природными мотивами, отражающими растущий интерес к ботанике в результате завоза новых растений из других стран. Мода на узоры и ткани часто менялась: в высшем обществе ее едва ли хватало на один сезон, затем такие наряды становились уделом более бедных классов, перекраивались и продавались.
В начале этого периода в женской моде появляется особая часть верхней одежды, называемая контуш (contouche). Это был выходной верхний наряд, пришитый сзади у горла к нижнему платью, который свободно ниспадал вниз богатыми складками, без обычного сужения в талии. Если контуш был короткий, едва до колен, то его носили как домашний костюм; в таком виде он был особенно распространен в Германии. Около 1730 года, сшитый из дорогого шелка, он относился к числу самой торжественной придворной одежды. В 18 в. в среде знати появляется много простых, будничных видов одежды. Среди прочего — неглиже (фр. — небрежный) — одежда для дома, утренних приемов и прогулок.
Широкая юбка и лиф нижнего платья укреплялись китовым усом. На этот материал был такой большой спрос, что позднее в Голландии (1772 г.) было основано общество, которое поставляло китовый ус во все европейские страны. Талия туго затягивается в корсет, а бедра чрезвычайно увеличиваются из-за панье — каркасной юбки на обручах из китового уса или металлических пластин. Во Франции панье делали из ивовых прутьев или китового уса, прокладывая валиками и слоями простеганной ткани. Форма панье была разнообразной: овальной, круглой, конусообразной. Самые широкие колоколообразные носили аристократки. Женщины из буржуазной среды вместо панье чаще носили накрахмаленные нижние юбки. Длина юбки была разной: обычно они достигали пят и имели шлейф для торжественных случаев, но иногда укорачивались до подъема ноги или лодыжек. Во второй половине 18 в. в моду опять возвращаются фижмы. Объем бедер становится огромным, им придают эллипсовидную форму, (они даже снабжались специальными шарнирами, уменьшавшими их объем, когда нужно было пройти в дверь или сесть в карету). Затянутый корсетом лиф и расширенные до гротеска бедра создают в высшей мере искусственные формы. В духе галантного века женскую фигуру сравнивают с цветком, поставленным в вазу, уподобляют опрокинутой рюмке.
Женщины носили нижнее и верхнее платья — «фрепон» и «модест». Подол фрепона богато вышивался, лиф был очень узким, под него надевали корсет. Платье модест было распашным от талии, и по краям разреза его украшали богатой вышивкой. Лиф модеста скреплялся на груди бантами или шнуровался. Банты располагались на груди так называемой «лестницей» — уменьшаясь по величине сверху вниз. Декольте в форме каре украшали кружевами. Практически каждый наряд украшали оборки, зачастую повторяющие узор на ткани. Узкий, гладко вшитый у плеча рукав дополнялся пышными кружевными воланами (чаще всего их было три). Шею дамы иногда повязывали легкой шелковой косынкой.
Господствующая гамма цветов — светлая, пастельная: розовый, голубой, лимонный и т.д. Преобладают полутона и сложные цветовые композиции. Обилие оттенков исключает контрастные сочетания, придает изысканность цветовым решениям. В духе фривольности того времени забавно звучат многие названия: “цвет парижской грязи”, “испачканный навозом”, цвет “молодой” или “старой блохи” и т.д Дамы носили светлые шелковые чулки с вышивкой золотом или серебром. Простые горожанки в своей одежде подражали костюмам знати, но шили ее из недорогих тканей более темных расцветок. Обувь также подвергалась отделке. Мастера изготавливают утонченные женские туфли без задника. Верх обуви укрепляли льном или делали прокладки из мягчайшей телячьей кожи. Изогнутые туфли на каблуках делали из дерева и обивали тканью. Пряжки покрывали настоящими или искусственными драгоценными камнями. И мужской, и женский костюм эпохи рококо дополнялся большим количеством украшений, в том числе и ювелирных. Особой популярностью в высшем обществе пользуются бриллианты. В одежде присутствовали кружева, банты, рюши, богатейшие вышивки. Многие из аксессуаров носились в кармане, свисали с пояса или прятались в складках драпировки.
Модными были кольца, браслеты, ожерелья, колье, золотые часы на цепочках. Полюбились маленькие букеты искусственных цветов (часто фарфоровые), которые прикалывали на груди. Белизну кожи женщины оттеняли бархоткой или рюшами из кружев на шее. Не потеряли популярности веера, которые иногда расписывали такие знаменитые художники, как Ватто и Буше. Они служили способом продемонстрировать роскошь шелка и пофлиртовать. Самые дорогие веера делались из резной слоновой кости и украшались перламутром.
В 70-е годы 18 века значительную роль начинает играть английская мода, связанная с культом чувств, простоты, стремлением сблизиться с природой. Проникнув на континент, английская мода вначале распространилась в среде крупной буржуазии и дворянской молодежи. Затем она проникла и в высшее общество и заметно повлияла на придворный костюм. Для платьев «английского» типа характерна мягкость линий, их шьют из легких тканей светлых тонов. Жесткие каркасы постепенно выходят из моды. Платья утягиваются немного выше талии, что напоминает силуэт античных одежд. Юбка струится мягкими свободными складками, заканчиваясь небольшим шлейфом. Лиф с округлым вырезом мягко драпируется косынкой, покрывающей плечи и грудь.
В конце 18 века утренним платьем светской женщины был «полонез», состоящий из юбки и лифа, поверх которого надевалось распашное платье. У верхнего платья выкраивалась неотрезная спинка из трех частей и почти прямые полы. В местах соединения спинки и полочек продергивался шнурок и с его помощью получались сборки, а внизу платья образовывались полукруглые драпировки. Существовало множество вариантов этого платья — от домашнего до парадного. Были полонезы с низким декольте, с пышными драпировками, закрывавшими спереди почти всю юбку («полонез с крыльями») и т.д.
Парадные туалеты отличались большой пышностью и украшались кружевами, оборками, бусами, букетами и гирляндами искусственных и живых цветов, а головные уборы — страусовыми и павлиньими перьями. Перчатки, зонтик, трость и лорнет вошли в моду к 80-м гг. 18 века. Для верховой езды аристократки надевали костюм, состоящий из юбки и жакета, напоминающего мужской фрак. К середине века такой костюм шили из тонкого шерстяного сукна и носили не только во время верховой езды и охоты, но и как утренний костюм.
Прически и головные уборы
Прически в 18 в. менялись неоднократно. Около 1715 года в моду вошли небольшие, естественно выглядевшие прически. Волосы завивали в локоны, поднимали вверх и скалывали на затылке. Прическу пудрили и украшали лентами, перьями, цветами, нитками жемчуга. Такой стиль сохранился с некоторыми изменениями до 1760-х годов. Такую прическу в частности носила мадам де Помпадур.
Волосы припудривали с помощью распылителя, а лицо в этот момент закрывали маской. Такую манипуляцию выполняла служанка. Пудра являлась основным элементом придания прическе объема и пластичности. Она впитывала пот и удерживала прическу в нужном положении. Она также помогала замаскировать спрятанные в волосах приспособления. В качестве пудры часто использовался крахмал или рисовую муку. Использование пшеничной муки для этих целей порицалось. Пудру для волос, часто парфюмированную, можно было приобрести различных оттенков: серую, белую, нежно-розовую и желтоватую. Состоятельные семьи имели особую туалетную комнату для пудрения париков и причесок, поверх одежды надевался халат для пудрения. Головные уборы дамы надевали редко. Голову покрывали накидкой, во время путешествий надевали мужскую треуголку, а дома носили небольшой чепчик, украшенный лентами, цветами, кружевом. В 1760-х годах волосы стали укладываться в более высокие прически, придавая им яйцеобразную форму и украшая локонами, а уже в конце 1770-х прически достигли чудовищных размеров. Прическе стали уделять такое внимание, что она превратилась в настоящее искусство и самое большое чудачество эпохи: державшиеся на проволочном каркасе, она порой достигала в высоту полутора метров, украшалась накладными буклями, драгоценностями, кружевами, лентами. перьями, искусственными и живыми цветами, а иногда и целыми сценами с макетами кораблей, фигурками людей и животных.
Своей популярностью такие прически обязаны Марии-Антуанетте, которая демонстрировала объемные прически с начесом и пышными медальонами на затылке. Такие прически создавал ее парикмахер Леонар Отье, прославившийся в Париже своим мастерством вплетать в волосы шерстяные подушечки и конский волос, чтобы придать прическе невероятный объем. Используя сложные каркасы, взбивая, завивая волосы, на голове создают целые композиции: корабли, блюда с фруктами, садово-парковые пейзажи. Шляпы также растут в размерах и обильно украшаются перьями, лентами, цветами и тканями. По-прежнему носят чепцы, которые могли быть как огромными, так и чисто символическими по своим размерам.
Такие прически доставляли огромные неудобства своим обладательницам: в них водилось множество насекомых; ложась спать, использовали специальную подставку; пройти в низкий дверной проем было трудно; при езде в карете приходилось высовывать голову наружу или стоять на коленях. Критики называли такие прически грязными и именовали их рассадниками блох, но модниц это не останавливало.
Каждая новая прическа создавалась на злободневный сюжет, будь то победа в морском сражении, премьера новой оперы или голодные волнения бедняков. Герцогине де Шарф даже удавалось украсить прическу фигурками своих детей и домочадцев. Парижский журнал «Курьер де ля мод» в 1770 в каждом выпуске помещал гравюры, изображавшие новые прически — всего более 3500 образцов в год.
Естественно, что такая прическа делалась не на один день, потому проблемой становился обычный сон и особенно гигиена. Гротескные прически отнюдь не способствовали частому умыванию. Поэтому запах пота, сопровождающий самую аристократическую публику, также как и вши, — отличительный признак того времени (для борьбы с этим злом использовали духи и вошебойки).
Около 1780 года прически стали расти вширь: волосы сзади собирались в пышный пучок или свисали с затылка: в повседневной жизни на макушке сооружался кокон из кудрей, а очень длинные волосы свисали сзади.
Ближе к середине столетия большую популярность приобрели шляпы — огромные из шелка или бархата или «английские» с широкими полями. Разнообразные по форме, они делались из фетра, шелка или соломы.
В 1780-х годах в моду вошли широкие «пастушечьи» шляпы, сделанные, как правило, из соломы или тонких плетеных древесных стружек. Такие шляпы украшали длинной тесьмой или фестонами с цветами и перьями. Соломенные шляпы крестьян делались из грубой соломы или камыша, тогда как шляпы представителей высшего сословия были изготовлены из тонкой желтой соломки, производившейся в Ливорно.
Использование косметики
В 18 веке косметикой обильно пользовались не только женщины, но и мужчины. При этом гендерные отличия в её применении отходили на второй план, уступая первое место классовым. Макияж свидетельствовал о социальном статусе личности, ее принадлежности к аристократии. Чем больше косметики употреблялось, тем респектабельнее считался человек. Кроме того, косметические продукты обладали и практической целью: они скрывали негативные проявления возрастных изменений, болезней, воздействия солнца или недостатков кожи.
В 1700-ых впервые к производству косметики подключились мануфактуры. Одновременно стала появляться реклама в газетах или даже отдельные афиши, раскрывающие прелести того или другого средства, и на специальных афишках. Парфюмеры, к примеру, Жан-Мари Фарина (изобретатель Кельнской воды, другими словами, одеколона) или Жан-Франсуа Убиган (поставщик самой Марии-Антуанетты) предлагали своим клиентам всё: от духов и пудры до ароматической воды и перчаток. Косметика продавалась в утончённых фарфоровых баночках, которые изготавливала в то числе, например, легендарная Севрская мануфактура. Косметика стала доступной едва ли не для каждого человека. Значительно расширился выбор средств, а их стоимость была более приемлемой, чем раньше. В частности, увеличилось количество видов ароматических веществ. Широко использовались остатки от перегонки эфирных масел (гвоздики, корицы). Такая вода по своим свойствам сопоставима с розовой или апельсиновой, применяли её в основном для умывания. Развивается парфюмерия. Духи производили из спирта и ароматических веществ: цитрусовых, средиземноморских трав, роз, сассафраса, восточных пряностей (кардамон), фиалок.
18 век – это время активного использования париков, поэтому средства по уходу за волосами стали очень востребованы, например, существовала специальная помада для волос. Её делали из очищенного свиного жира, воска, к тому же использовали эфирные масла для придания этому средству изысканного аромата. Однако даже в самом нанесении макияжа существовала разница между элитой и средним классом. Если аристократы отдавали предпочтение толстому слою белил, широким полосам красных румян и мушкам, то представители буржуазии в большинстве случаев использовали румяна розовых оттенков и наносили их кругами. Только до 1781 года одни француженки использовали около 2 миллионов горшочков с румянами каждый год.
В 18 столетии особое внимание уделяется бровям – чем они темнее, тем лучше. Но всё дело в том, что из-за длительного использования косметики на основе свинца, брови и весь волосяной покров лба попросту исчезал. На что только ни решались люди, чтобы восстановить брови. К примеру, в 1703 году были популярны искусственные брови, сделанные из шкурки мышей. Их крепили на лоб с помощью клея, который, правда, не всегда был эффективен. В 1760-ых годах косметика стала такой востребованной, что туалетные столики стали едва ли не самым популярным товаром. И даже дамские будуары строили так, чтобы окна выходили на север. Таким образом, освещение в них было практически идеальным. В 1780-ые году использование косметики, особенно декоративной, стало более умеренным. Это связано с тем, что поменялись ориентиры в моде и стиле. Естественность начинает постепенно отвоевывать свои позиции.
Спасибо, что заглянули! И до новых встреч
Список использованной литературы :
Иллюстрированная энциклопедия моды / Кибалова Л., Гербенова О., Ламарова М. История в костюмах / Блейз А. История костюма 1200-2000 / Джоан Нанн История. Культура. Повседневность / Козьякова М.И. История нравов / Э.Фукс Мода: всемирная история / Марни Фогг Мода и модельеры / М.Шинкарук, Т.Евсеева, О.Леспяк
Увеличить
Стиль классицизм: лёгкость и игривость заменяется отсылкой к античности
Классицизм (англ. Classicism — Neoclassicism) пришёл второй половине 18 века как спокойная уравновешенность форм, гармоничность пропорций, сдержанность и упорядоченность декора (словом, никакого буйства, даже симметричного). Киногид по стилю — «Гордость и предубеждение»1995г. Применительно к ювелирному искусству, эпохой классицизма считается период примерно с 1760 по 1830 гг.
Причины появления этого стиля — усталость от придворной роскоши и мотовства, количественный рост представителей класса буржуазии, а также вполне конкретный импульс — раскопки в 1750-1760 гг. Геркуланума и Помпеи, погубленных Везувием.
Черты классицизма в декоре — это греческий меандр, листья аканта и лавра или дуба, геометрически выверенные розетки и пальметты, медальоны и другие античные мотивы.
Классицизм в украшениях своего времени
(не путать с современными ювелирными изделиями в «классическом стиле»)
В эпоху расцвета классицизма с женщин схлынуло обилие драгоценностей, но иные виды украшений весьма ценились. Скажем, круглые и овальные броши — ими закалывали модные кашемировые шали (носимые поверх тончайших одежд). В золотые оправы брошей вставляли античные камеи (резной камень или раковина; брошь из такого камня или раковины), или эмалевые портретные миниатюры (в окружении мелких бриллиантов или жемчужин). Очень большую роль в украшениях того времени сыграла наполеоновская война — после нее появился отдельный вид «траурных» украшений, например медальоны с вплетенными волосами умерших родственников, либо эмалевые медальоны и кольца с мотивами скорби и памяти.
Большой ажиотаж вызывали старинные геммы (драгоценные камни с углублённой или выпуклой резьбой) из археологических раскопок того времени. Находки вставляли в броши, в кольца, серьги, пряжки, пояса и даже в ожерелья и диадемы. Кольца носили помногу, а на светских раутах порою на всех пальцах рук. Нагие руки украшали множеством золотых обручей, часто с меандром.
Голову украшали золотыми обручами, часто с гравированным меандром. В особых случаях надевали роскошные диадемы с бриллиантами и жемчугом. Диадема (в то время — доминанта парюры) задавала тон декору всех украшений комплекта. В начале XIX века в Европе и России, возродилась техника ажурной филиграни. Из скани составляли ожерелья, плели сетки для волос, собирали на филигрань детали браслетов и колье. Популярны были золотые и серебряные сканые серьги с грушевидной подвеской.
Искусствоед.ру – сетевой ресурс о культуре и искусстве
Просмотры: 3 198
Пришедший на смену Возрождению стиль барокко имел в странах Западной Европы различные социально-экономические и исторические предпосылки. Так, в Италии это попытки церкви объединить весь христианский мир под властью папского престола. Во Франции в этот период происходит формирование абсолютистской монархии. Несмотря на разнообразие исторических причин, художественный стиль был единым для большинства стран.
Так, в декоре уже нет слепого следования античным мотивам. Многие орнаментальные элементы становятся легче, наряднее, утрачивая недавнюю массивность и даже некоторую тяжеловесность форм. Они начинают активнее взаимодействовать с окружающим пространством. Прямые линии сменяются изогнутыми. То же происходит и с мотивами масок и солнца. Их чередование вносит стилевое разнообразие.
Ларец Анны Австрийской
Вопреки возможным ожиданиям, ювелирных произведений ХVII века сохранилось не так много. Во Франции большинство драгоценных изделий этого периода исчезло из-за необходимости оплачивать огромные расходы на поддержание престижа Людовика ХIV. В 1688 году по его распоряжению вся золотая и серебряная утварь королевского двора была отправлена в переплавку. В результате за один год было уничтожено такое количество изделий, как в ходе войн за несколько столетий. Уцелевшие предметы невелики по размеру и относятся, как правило, к XVII в. Среди них ларец Анны Австрийской из чеканного и резного золота с несколько перегруженным декором из цветов и листьев, изготовленный около 1645 г.
В луврских коллекциях имеются: мисочка из позолоченного серебра, датированная 1666 г., серебряный кувшин шлемовидной формы с орнаментом ламбрекена, еще один кувшин 1677 г. из гладкого кованого
Алмазная брошь Ордена Святого Духа (Жакмен)
серебра, литой серебряный канделябр с гравированным и точеным орнаментом, с парижским клеймом 1636 г., а также кубок с тем же клеймом 1700 г., украшенный в нижней части ламбрекеном (Париж, Музей декоративных искусств); блюдо 1698 г. из позолоченного серебра с завитками цветущих побегов по бордюру (Лондон, Музей Виктории и Альберта). Меньше пострадала культовая утварь, в силу обстоятельств избежавшая переплавки. Несколько предметов церковной утвари, как, например, серебряный потир из собора Труа с рельефными сценами Страстей Господних или реликварий св. Лаврентия из церкви Сен-Совер в Монтрейль- сюр-Мер (департамент Па-де-Кале) избегли уничтожения только ввиду их культового назначения.
Выдающиеся мастера в эти годы работали и в провинции. В Европе в это время начинается процесс упорядочения ювелирного производства. Во Франции, как и в других странах, ювелиры помещают на своих произведениях личное клеймо, рядом с которым ставится цеховое клеймо и еще третье, свидетельствующее об уплате налога казне. Клейма позволяют с уверенностью определить мастера и дату изготовления, разумеется, если сохранились таблицы клейм, что имеет место далеко не всегда. В очень немногих видах прикладного искусства возможна такая точная атрибуция.
Любовь к пышному, помпезному декору распространилась и в других странах Европы.
Барокко продолжило начатый в эпоху Ренессанса процесс переработки сложившихся форм ювелирных украшений. В ХVII веке вновь, после забвения со времен средневековья, появились платяные булавки (фибулы, застежки для плащей и аграфы), но уже в виде брошей. В первую очередь они выполняют утилитарную функцию, скрепляя расходящиеся драпировки или вырез. Введение брошей в моду легенда приписывает мадам де Савиньи, придворной даме из окружения Людовика ХIII. Первоначально, с лицевой стороны броши обильно декорировались рубинами, сапфирами, изумрудами и жемчугом.
Застежка папской ризы
Прямые наследницы платяных булавок, броши стали репрезентативным украшением и должны были подчеркивать декольте или благородно вознесенную, обнаженную шею.
Как символ изящных излишеств барокко в середине века появляются абсолютно нефункциональные пряжки для обуви. Их охотно носили и взрослые, и дети.
Подвески в эпоху барокко не имели широкого распространения. Исключение составляли только украшенные алмазами с лицевой стороны и эмалью с оборотной.
Исключительной принадлежностью барочного дамского костюма было шитье жемчугом и жемчужные нити в несколько рядов. Жемчуг также применялся и в не очень распространенных в эпоху барокко браслетах. Они были низанными жемчугом или золотыми с драгоценным камнем, с оборотной стороны украшались эмалью. Как правило, браслеты носили попарно, на узкой манжете с рюшем. Серьги, как уже говорилось выше, составляли непременную принадлежность гарнитуров, которые все чаще появляются в эпоху барокко.
Во времена Людовика ХIV во Франции, занимавшей теперь ведущее место в ювелирном искусстве Европы, сложился тип серег, получивший название «жирандоль» – в виде трех небольших подвесок. Художественная промышленность Франции во второй половине 17 в. достигла высокого расцвета. Серебряная посуда, ювелирные изделия, ковры, ткани и кружева изготовлялись не только для дворца и для потребителей внутри Франции, но и для широкого вывоза за границу, что было одной из особенностей политики меркантилизма. Как положительный факт следует отметить, что организация художественного производства на основе централизации наряду с системой академического образования приводила к большому стилевому единству также и в различных отраслях художественной промышленности.
В кольцах барокко отдавало предпочтение вставкам из больших граненых камней. Шинка чаще всего
Кольцо. Середина 17 века
оставалась гладкой или декорировалась чеканным и гравированным растительным орнаментом, иногда с эмалью. Своеобразное изобретение барокко – кольца с секретом; разъёмное кольцо, при соединении составляющих частей составляющее символ, например, крест.
В эгретах барокко любило пышные букеты цветов, банты и развевающиеся ленты. Как правило, уцелевшие серебряные предметы барочного ювелирного искусства относятся к концу ХVII столетия – это ларец Анны Австрийской из чеканного и резного золота, выполненный около 1645 года и кубок, а также золотые плакетки, посвященные победам Людовика ХIV, выполненные Пьером Жереми, первым представителем династии столичных мастеров золотых дел.
Характерными памятниками барокко являются блюда из позолоченного серебра, чрезвычайно и повсеместно популярные в эти годы. Их убранство изобилует множеством фигур, представленных в сложных сюжетных композициях. Роскошные экземпляры таких работ голландских мастеров конца ренессанса и начала барокко хранятся в Оружейной Палате Музеев Московского Кремля. Они попали в Россию в качестве посольских даров.
Вотивная корона Мадонны делла Фонтенуова. Выполнена антверпенским ювелиром по заказу Великого Герцога Фердинанда I Медичи
В Голландии в конце Ренессанса и в начале эпохи барокко выдающимся мастером был уроженец Утрехта, знаменитый Пауль ван Вианен. Сначала он переехал в Баварию, а затем в Прагу, где императором Рудольфом II был удостоен звания главного придворного мастера. В эпоху барокко в Голландии появляются кубки для вина в виде рога. Их содержимое необходимо было выпивать за один приём, так как эти сосуды, завершающиеся изображением ветряной мельницы, или «колеса фортуны», невозможно было поставить на стол иначе как дном кверху.
Множество ювелирных изделий эпохи барокко, перегруженных обильным декором, и статуэток животных, выполненных в реалистической манере, сохранилось в Германии. Здесь любили драгоценные камни в серебряной или золотой оправе, разделанной эмалями.
Англия первоначально испытывала значительное влияние Германии и Фландрии. Отсюда, некоторая
Корона Святого Эдуарда
тяжеловесность чеканного декора с фигурами амуров, поддерживающих гирлянды цветов и плодов. Но уже в начале ХVII века проявляется своеобразие английской национальной школы, выразившееся, прежде всего, в создании новых сосудов. Таким открытием стало изобретение около 1610 года чайника, форма которого восходит к китайским кувшинам для вина.
В Португалии и Испании в результате грабительских колониальных войн скапливаются огромные запасы драгоценных металлов. Однако впоследствии почти все эти богатства были утрачены.
Необыкновенная пластическая роскошь и колористическое богатство декора произведений ювелирного искусства эпохи барокко, отмеченная в этом разделе, не только результат внутренней эволюции в пределах европейского континента, но и рецепции европейцами сокровищ открытых ими новых стран – Индии, Америки, Китая.
- Ювелирное искусство : мир — образ украшений. — М. : Директмедиа Паблишинг, 2004. — 1 электрон. опт. диск (CD-ROM) : цв.; 12 см. — (Электронная Библиотека DirectMedia; 36)
- Моран, Анри де. История декоративно-прикладного искусства : От древнейших времен до наших дней. С прил. ст. Ж. Гассио-Талабо о дизайне. [Пер. с фр.] / Анри де Моран. — М. : Искусство, 1982. — 577 с. : ил., 24 л. цв. ил.; 24 см.
- Всеобщая история искусств : в 6 томах / редкол.: Б. В. Веймарн [и др.] ; Акад. художеств СССР. Ин-т теории и истории изобразит. искусств. — Москва : Искусство, 1956-1966. — .; 27 см. Т. 4: Искусство 17-18 веков / под общ. ред. Ю. Д. Колпинского, Е. И. Ротенберга. — 1963. — 479 с., LXXXVII с., 221 л. ил. : ил.
Превью: Панно с изображением коленопреклоненного Великого герцога Козимо II. Каструччи, Микеле; Чекки, Гуалтьеро; Мерлини, Козимо; Фальк, Йонас; Париджи, Джулио. 1617 — 1624 гг. Золото, изумруды, бриллианты, самоцветы; инкрустация, мозаика. 54,5 х 64,5 см. Музей серебряных изделий, Флоренция
LiveJournal
Стиль ампир – «имперский» классицизм
Ампир называют завершающей фазой классицизма (первое десятилетие 19 века). Название происходит от французского empire — империя; это стиль империи Наполеона Бонапарта ( в этом факте смутно угадывается причина появления этого стиля). Стиль ампир — это практически калька с декоративных элементов Римской Империи. Если рокайль уходил от помпезности барокко, то ампир пренебрегал сдержанностью классицизма.
Черты ампира — рельефные детали в виде четко прорисованных пальметт, львиных масок, грифонов, сфинксов, египетских мотивов или разнообразных эмблем военной тематики (спирали, щиты, дуги, орлы). Из флористики — гирлянды, лавровые и дубовые листья, колосья и снопы. Стиль уверенного величия в рамках художественной гармонии. Не случайно ампир многократно (и почти повсеместно) подхватывался са-а-мыми разными правителями.
